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演艺知识
点击次数:1713 次  更新时间:2017-04-13

本文摘自《大学通识通教》  作者:周治南

演艺又称表演艺术,表演艺术是动态的艺术、人体的艺术,艺术家通过人的演唱、演奏或舞台动作、面部表情来塑造形象、制造氛围、激发情绪、传达情感,抒发艺术家对生活的理解,并通过这样的表现形式强化观众的某种感受,产生心灵共鸣,起到艺术熏陶的作用。表演艺术通常包括音乐、舞蹈、戏剧、曲艺、杂技、魔术等,代表性的门类主要是音乐和舞蹈。戏剧与影视属于综合艺术,但其中的主要表现手段是表演艺术。说唱艺术、体育表演、武术表演、皮影和木偶等都属于表演艺术的大家族;讲演、说书、讲故事、书法家现场书写、美术家现场创作也属于表演艺术的范畴;表演艺术甚至包括了产品的生产和功能等演示活动,如厨艺表演、飞行表演等。

一、中外音乐

音乐作用于听觉,是声音的艺术,是有节奏、有旋律地将音符组织起来,能产生美感的艺术。音乐的最基本要素是节奏和旋律,是人声、乐器声和时间过程的有机组合,在艺术形式和表现手法上体现为音高(声波频率)、音强(发音力度)、音长(发音的时间过程)、音色(声音的角色气质)之间的变换流转。音乐不以说教的方式来传播,而是通过艺术形象的熏陶及感染作用来影响众人,潜移默化地,使人得到更多美的滋润。人类社会从什么时候开始有了音乐,已无法查考。在人类还没有产生语言时,就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展,逐渐产生了统一劳作节奏的劳动号子和相互间传递信息的呼喊,这便是最原始的音乐雏形;当人们庆贺收获和分享劳动成果时,往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情,这便是原始乐器的雏形。音乐作为一门古老的艺术,各民族也都有其独特的音乐传统,音乐具有鲜明的民族个性和特色。世界音乐林林总总、形形色色、多姿多彩、气象万千,给人以美的享受。

(一)中国音乐

    中国音乐起源于先人的生产劳动,起源于人们对自然和动物声音的模仿。《周易·豫卦》记载:“象曰:雷出动奋,先王从作乐崇德,殷荐之上帝,以配祖考。”河南舞阳县发现的18支七音孔和八音孔的骨笛,说明中国音乐历史悠久,源远流长。

远古时期的中国音乐是与宗教祭扫仪式紧密相连的。当时的乐师多为巫师充当。传说中的远古帝王和夏、商、周三代,均有其代表性乐舞,是一个时代的标志和象征,如黄帝有《云门》,尧有《咸池》,舜有《大韶》,夏有《大夏》,商有《大濩》,周有《大武》。在周代,经济文化的发展促进了音乐的发展,各种乐器达到了近70种,已出现了编钟、箫、笙、瑟、琴等,乐律已有了十二律和五声、七声音阶。古代还按照乐器的质料将乐器分为八类,即金、石、丝、竹、匏、土、革、木,称为“八音”。至春秋战国时期,音乐文化更加繁荣,出现了中国早期有着完整体系的音乐理论著作《乐记》《乐论》等,初步奠定了中国音乐体系的基础。

秦汉时期,推崇古乐,注重音乐“征诛揖让”“教化于民”的作用。汉代在继承先秦礼乐制度的基础上,重立祭扫天地的大礼以及祭祖时配用的乐舞,并且专门成立了音乐机构——乐府。乐府的乐歌大致可以分为两大类:鼓吹曲和相和歌。鼓吹曲是用于宗庙祭扫、军队、仪仗、典礼中的一种节奏明快的乐曲;相和歌是流行于各地的民歌。乐府还对民间音乐进行广泛收集、整理和加工,配以乐舞演出,出现了“百戏”“傀儡戏”等。新的乐器有羌笛、笳、箜篌、琵琶等,还出现了用曲线表示的乐谱,称为“声曲折”。

    魏晋至唐代,音乐艺术发生了重大变化,一是出现了中国南北方、少数民族与汉族音乐之间的融合。流行在北方的相和歌与南方的吴歌、西曲相结合,形成了新的音乐形态“清商曲”,其曲调清越,抒情性强,成为一种比较成熟、比较高级的音乐类型,如有名的《春江花月夜》《玉树后庭花》就属于清商曲。二是中国音乐与外国音乐的融合。由于佛教的传入,形成了“改梵为秦”的中国佛教音乐。唐都长安曾经是亚洲各国音乐文化交流的中心。三是音乐理论、乐器都有很大的成就,音乐理论家有魏晋时的阮籍、嵇康,音乐理论著作有唐代的《乐书要录》《教坊记》《乐府条录》等。新的乐器有锣、披星、排箫、揭鼓等,已达300多种。隋唐时期还出现了曲子、变文、燕乐等音乐形式,曲子即配词演唱的歌曲,民间歌曲影响下所形成的产物;变文是有故事情节、讲究音律节拍的一种说唱艺术;燕乐就是宫廷宴饮之乐,它们体现了中国音乐艺术在这一时期空前的活跃和多姿多彩的繁盛局面。

    宋元明清时期,中国音乐从宫廷走向市井,出现了世俗化的趋势。官调艺术歌曲、说唱音乐、戏曲音乐丰富多彩,适合于表现复杂的感情和社会生活。明清时代,音乐艺术的一个重要特点是民歌异常活跃,尤以情歌为多,内容多为表现纯洁爱情,讴歌个性解放。这一时期的音乐理论也取得了较高的成就,如北宋时期的《乐书》(200卷)是一部百科全书式的音乐著作,明代的《乐律全书》则提出了人类文化史上最早的十二平均律理论。宋元明清时乐器主要适应了曲艺戏剧的发展,出现了三弦、银字竺、马尾胡琴及京胡、板胡、坠胡和唢呐等新的乐器。

中国音乐在从远古到明清的历史发展过程中,形成了与其他文化不同的独特体系。中国除创立了七音阶体系外,还创立了五音阶体系,而且在传统音乐中占有主导地位。中国音乐没有像西方音乐那样,能以自己为中心独立地发展,而是依附在文化的各领域以游散的方式发挥其多种功能。因此,中国音乐可按其功能分为:(1)仪式音乐。主要用于各种祭祖和国家大典,也用于宗教寺庙的仪式活动,具有明显的政治性和宗教性功能,其特点是肃穆庄重,纯正典雅,音域较窄,节奏缓慢。(2)舞蹈音乐。主要有两种类型:一是宫廷舞乐,主要用于帝王享乐,如曾侯乙墓的编钟,唐代的霓裳羽衣曲。二是民间舞乐,主要是下层劳动人民用来宣泄情感的,如秧歌、花灯、采茶歌等,它们各盛一方,千姿百态。(3)声乐。从《诗经》到明清戏曲,从宫廷演唱、文人低吟、青楼妙音到民间俚曲,都是它的表现形式,品类繁多,流传面广。(4)独奏器乐。中国乐器中的琴、筝、笛、箫、二胡等都可独奏,其中琴的地位最重要。(5)民乐。主要指用于民间习俗庆典的音乐,以吹奏打击乐为主,热闹喧哗,节奏明快,高亢激昂,为人们的各种集体活动增添了浓烈的气氛。

中国音乐以其独特的民族风格享有世界性的影响力,被人们千古吟诵不绝的名曲有琵琶曲《十面埋伏》《阳春白雪》,琴曲《高山流水》《深湘水云》《梅花三弄》,民乐曲《百鸟朝凤》《春江花月夜》《霓裳羽衣曲》等。乐器以曾侯乙墓编钟为一奇观,它由能奏出各种不同音高的65件乐器组成,分三层排列,总音域达5个八度之广,12个半音齐全,可以演奏五声、六声或七声音阶的乐曲。

与西方音乐相比较,中国音乐具有自己的特色:重旋律、重节奏、重和谐。中国音乐以旋律为主,其最基本的手段是将曲调单线化,音乐在线型轨迹上向前游动,形成起伏、强弱、虚实等方面的变化,给人以气韵生动的线条之美,余音袅袅,娓娓动听。在中国民间音乐中,打击乐在喧闹节奏中展现出了一种粗犷的阳刚之美,如陕北腰鼓、山西锣鼓,节奏强烈,适宜表现喜庆热烈的场面。中国音乐长期受封建礼教制度的影响,处处表现“政通人和”的社会和谐氛围,即使是抒发性情的,也总是“乐而不淫,哀而不伤”,“发乎情,止乎礼”。尤其是声乐,歌词的内容对音乐予以提示和规范,不但要能表现人们内心细致复杂的各种心理情感,而且也要能够间接地再现出社会道德品质与伦理规范要求。

(二)西方音乐

近代以来,西方的专业音乐创作得到了巨大的发展。西方音乐注重和声和配器,将乐曲的音响块面化、立体化,给人一种浑厚之美、个性之美和叛逆之美。从总体上看,西方音乐的风格和审美特征是追求富于动感的复音音乐美。

    西方音乐的旋律与动力性,主要体现在调式和节奏等方面。在调式方面,乐音的基本结构是每个音都有固定的音高,音与音之间呈明显的阶梯状,具有跳跃性。调式以四音音列为基础,包含着两个全音音程和一个半音音程。在节奏方面具有强烈的动感。其立体性主要表现在音响组织形式方面,除了单声性织体之外,还存在大量的多声性织体,在注意横向旋律流畅的同时,十分讲究声部之间的纵向关系。伴奏多采用传统和声进行。

    西方的乐器以风笛、提琴、吉他、手风琴为主要特色。此外,还有单簧管类、双簧管类、齐特尔类的扬琴等多种乐器。

    西方音乐经过了几千年漫长的发展过程。古希腊、古罗马是西方文明的摇篮,西方的哲学、美学及各种艺术形式都是从这里开始的,西方的音乐文化也是从这里开始的。

    从19世纪挖掘出的古希腊文物的音乐图像中,就发现有音乐伴奏的歌舞场面。在歌舞场面中,有的人唱着歌,有的人吹着用芦管制成的乐器,还有演奏里拉琴的。

    公元前4世纪前后,古希腊悲剧获得了较大的发展。著名三大悲剧家埃斯库罗斯、欧里庇得斯、索福克勒斯既是戏剧家也是音乐家。在他们创作的戏剧作品中,音乐起着很重要的作用,如烘托情节、揭示矛盾冲突、表达思想等。古希腊的音乐实践,导致了音乐美学的发展。一些哲学家、思想家分别从各自的哲学理论出发探讨音乐的一些根本问题,今天我们所探讨的音乐美学的基本问题多是从那时发轫的。

    罗马音乐是从希腊借鉴来的。公元146年,罗马帝国吞并了古希腊,把大量的艺术品从希腊掠运到罗马,同时带来了许多著名学者(包括音乐家)、歌唱团体和乐队。但罗马人并没有全面继承古希腊音乐,也没有发展具有伦理道德的古希腊悲剧艺术,而是发展了音乐中娱乐、消遣的特性。音乐的演出规模、演出人数都达到了空前的规模。为了战争和军事的目的,罗马人发明和发展了一些钢管乐器以炫耀军威和鼓舞士气。

    中世纪音乐是指公元5世纪至15世纪的西方音乐。在这一千多年中,欧洲经历了封建制度的形成、发展、衰退的历史过程。相对其他的历史阶段,中世纪在各方面的发展是缓慢的,因此有的学者认为中世纪是“黑暗的中世纪”。实际上中世纪既是整个西方文明的基础时期,又是西方艺术音乐的构成时期,它所取得的艺术成就是深远的。早在公元313年,由于基督教的广泛传播,罗马皇帝君士坦丁将基督教定为国教,从此基督教成为影响中世纪文化发展的强大力量。在中世纪的早期,音乐被罩上了强烈的宗教色彩。当时的圣·加尔、圣·阿芒、圣·马蒂亚勒等修道院成为音乐活动的主要中心。最能代表早期中世纪音乐风格的音乐体裁是基督教仪式中颂唱的教会圣歌——格列高利圣咏。圣咏的歌词来源于《圣经》,旋律音域不宽,节奏自由而灵活,演唱形式为无伴奏的男声齐唱和对唱,追求超脱、宁静的气氛。

中世纪后半叶的欧洲相继出现了许多城市,与此相适应的反映中世纪城市的文化得到了迅速的发展。许多文人用兴起的各种地方语言(如法语、西班牙语、英语、德语)写出了骑士诗歌作品,形成了最早的世俗文化传统。用这些诗歌创作的骑士歌曲是中世纪世俗音乐的主要形式。巴黎圣母院学派在公元9世纪左右出现多声部音乐——奥尔加农的基础上,创作出复调音乐如狄斯康特、孔杜克图斯、经文歌等形式。“新艺术”原是法国诗人、音乐家维特里写的一本关于新的作曲法的书名,后来用以指14世纪法国、意大利新的复调艺术风格,从而有别于巴黎圣母院的“古艺术”。法国新艺术时期最有名的作曲家是玛绍。玛绍的创作主要有宗教体裁的经文歌、弥撒脓,世俗体裁的叙事歌、回旋歌和维勒菜等。世俗音乐的专业化、艺术化,宗教音乐的世俗化,便是玛绍“新艺术”的音乐特征。“新艺术”音乐的出现标志着西方音乐开始走向成熟。

文艺复兴时期,人文学者认为,人有追求个人幸福、爱情的权利,他们反对教会的来世主义和禁欲哲学,以平等、博爱的思想反对封建的等级制度。人文学者的这些主张反映了新兴的资产阶级反封建性格、争取精神解放和自由发展的要求。这些基本精神也反映在这一时期的音乐艺术中,使音乐具有了叛逆的性格。后来,“尼德兰乐派”在吸收了“新艺术”音乐文化的基础上发展起来。费是第一代尼德兰乐派的主要作曲家,他力图创作大型的复调音乐形式,直接影响了下一代作曲家奥克海姆的复调音乐。奥克海姆更注重复调音乐中横线条连续不断的发展,作品的段落终止不明确,但他充分地发展了复调音乐的技巧,为后来的作曲家提供了创作复调音乐的经验。

17世纪至18世纪中叶是西方音乐史上的巴洛克时期。“巴洛克”这个词源于葡萄牙文Barroco,意思是形状不规则的珍珠。艺术史用巴洛克一词称呼17世纪至18世纪中叶西方建筑、绘画、雕塑等艺术新的风格特征,即:雄伟、奇异、夸张,从有限的空间进入人类内心情感的无限世界。这一时期奏鸣曲、三重奏鸣曲、大协奏曲等器乐体裁得到了确立和发展。亨德尔和巴赫是巴洛克时期最有代表性的作曲家。巴赫被称为“近代音乐之父”。他不仅开创了音乐表现人类情感的美学传统,还使后来的音乐家从他的创作中得到应有的启发。贝多芬评价说“他不是小溪,而是大海”。歌剧的诞生,器乐的发展,亨德尔、巴赫的艺术创作,是这一时期杰出的艺术成就。

18世纪下半叶至19世纪20年代,在维也纳形成和发展了以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐流派——维也纳古典乐派。他们受到启蒙运动的思想影响,使得音乐充满了生气勃勃、乐观向上的精神气质,体现了新兴市民阶层的精神风貌和鲜明的世俗性特征。他们的音乐具有题材重大、崇尚理性、气势宏伟、逻辑性强、结构严谨、以主调和声风格为主的美学特征。海顿是维也纳古典乐派的创始人,他确立的奏鸣交响套曲的形式结构、奏鸣曲式原则、新型器乐化的动力性音乐语言,被莫扎特和贝多芬两位交响音乐大师所传承,海顿因此有“交响乐之父”的美称。

浪漫主义音乐是继维也纳古典乐派之后于19世纪初至19世纪末叶在欧洲形成和发展的重要音乐流派。浪漫主义时期的作曲家既对封建统治下的黑暗社会现实极为不满,又对法国资产阶级革命时期幻想建立的理想的社会制度感到失望,因而看不到社会的出路,普遍产生失落、不满、苦闷的情绪。为了寻求精神的解脱,他们沉醉于个人情感的主观体验。创作内容的这些变化,使浪漫主义音乐产生了许多新的艺术特点:首先,个人主观感情的表现得到了深刻的揭示和加强,认为“音乐是最纯的感情火焰”。其次,浪漫主义音乐家重视民族、民间音乐并不断从中吸取滋养。最后,浪漫主义音乐提倡音乐的标题性,主张“艺术综合”等。他们创立了体现浪漫主义美学思想的多乐章标题交响曲和单乐章交响诗。在表现手法上自由舒展、连绵起伏,节奏的运用更加复杂和多样;特别在和声语言上运用了不协和和弦及半音和声,使音乐更具活力和表现力。

艺术歌曲和钢琴小品是浪漫主义时期新的艺术表现手段。肖邦是浪漫主义时期专写钢琴音乐的大师,他的可贵之处是不模仿前人,完全按自己的标准去创作。贝多芬的交响曲创作具有划时代的意义,其标题性创作原则、借用文学的艺术手段表达人的情感、强调音乐的思想性等特色,直接启发了浪漫主义时期的交响音乐创作。最早在交响曲创作上显示出浪漫主义音乐特征的作曲家是舒伯特,他的交响曲的全面歌唱化标志着浪漫主义交响曲的开始,同时也标志着古典主义动力性交响时代的结束。浪漫主义时期的交响曲基本从两个方面展开,一种是标题交响曲;另一种是纯音乐形式的非标题交响曲。

民族乐派是继浪漫主义音乐流派后不久在东、北欧地区形成和发展的致力于发展本民族音乐文化的音乐流派。民族乐派的创作活动从19世纪30年代开始,一直持续到20世纪初。在上述地区出现的民族乐派主要有:俄罗斯民族乐派、捷克民族乐派、挪威民族乐派、芬兰民族乐派等。在浪漫乐派的许多作曲家如肖邦、李斯特的作品中,也显露出强烈的民族风格。民族乐派虽然与浪漫乐派有许多相通之处,但在题材内容和表现手段上也显示出区别:民族乐派的作曲家们都有着强烈的爱国主义精神和民族自豪感,强调采用本民族的历史和传说作为创作的题材,激发同胞的爱国主义热情。除此之外,表现祖国的自然风光,本民族的风土人情、神话传说、人民的性格和爱好的作品也大量出现。

    印象主义音乐是指19世纪末至20世纪初以法国作曲家德彪西为代表的一种新的音乐风格。印象主义音乐是在印象主义绘画和象征主义文学的双重影响下形成的。1887年,由于德彪西的参赛作品交响组曲《春天》在曲式结构上模糊不清,评委会要他“警惕模糊的印象主义”。但随着这种艺术潮流的发展,人们逐渐认识到它独特的艺术魅力和价值,用印象主义音乐概括以德彪西为代表的音乐风格已不再具有贬义。印象主义音乐家同样喜欢描绘大自然的光线和色彩,给人带来瞬间的美好印象和感受。德彪西的歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》、管弦乐前奏曲《牧神午后》表现了他与象征主义艺术家共同的审美趣味,在隐晦、暗喻、神秘、似是而非的气氛中,开辟了一个梦幻和令人着迷的音乐世界。

20世纪音乐是指发生在20世纪不同国家有别于传统的各种现代音乐风格流派的总称。其中最有影响的风格流派有:新古典主义音乐、表现主义音乐、十二音音乐、整体序列音乐、电子音乐、具体音乐、偶然音乐、微分音音乐、噪音音乐等。20世纪音乐是西方音乐史上的新世纪,众多的艺术思潮不仅使音乐艺术呈现出复杂多样的创作局面,而且在表现形式上也进行了很大的革命。首先,在内容上更多地受到本世纪各种哲学、美学、艺术思潮的影响。如弗洛伊德的精神分析学,萨特的存在主义,文学艺术中的表现主义、超现实主义、未来主义等,他们高举反理性主义的旗帜,努力从人的各种心理和无意识中,从人类生存条件的现实等各个方面揭示人在资本主义社会中的各种异化现象及种种感受。20世纪音乐在创作上与这些表现内容相联系。其次,出现了许多反映现代的自然科学、大工业生产、科学幻想及抽象概念的作品。如《时值与力度的模式》《计算机素描》《太平洋 231号》《空间的幻想》《神秘的宇宙》等。最后,反对传统的音乐表现手段和形式,追求表现手段的独特、新颖。这一点成为20世纪音乐最主要的特征。在配器上,古典、浪漫时期的饱满、宏大、辉煌的音响让位给简朴的室内性音响。突出钢管在乐队中的地位。总之,上述种种特征是20世纪音乐普遍存在的基本特征,但20世纪众多的音乐流派在思想和创作上又呈现出巨大的差异性,也正是这种差异性反映出西方社会对艺术的宽容,使艺术呈现出多样繁荣的发展局面。

二、中外舞蹈艺术

舞蹈是人体动作的艺术,展示了人体结构的曲线美、造型美和动态美。它通过有节奏、有组织和经过美化的动作过程来渲染氛围、表情达意。舞蹈表情、舞蹈动作、舞蹈构图是舞蹈艺术的三大要素。舞蹈表情既包括表演者的面部表情,还包括了与之协调的形体语言。舞蹈动作源于生活,但不是生活的简单模拟,而是人体线条的形式美。在长期的表演实践中,形成了一些舞蹈动作的基本规范,这些规范被程序化和虚拟化,从而形成一个完整的人体线条形式美的动作体系和表演过程。如中国古典舞中的“兰花指”,芭蕾舞中的各种脚尖动作。程序化丰富和提高了舞蹈动作的表现手段,使舞蹈动作显得规范整齐,活泼自然,并较为稳定地传达一定的情感意蕴,也有助于舞蹈风格的形成与稳定。虚拟化是对场景和道具的假定和省略,它使舞蹈动作克服了再现性的成分而成为表现性动作。如中国戏曲中的骑马动作,表演者通常只是运用一支马鞭做道具,通过模拟化的形体语言进行恰如其分的表达。舞蹈构图是舞蹈表演在一定空间与时间内,对色、形、线、打光、移动、造型等各个方面关系的综合布局,构成有机的艺术整体,从而实现“舞以宣情”的目的。舞蹈情感的充分表现是舞蹈艺术的核心价值,但它不是直露的、写实性的,由于借助了程序化和虚拟化的表现技巧,因此是含蓄的、写意的、朦胧的、空灵感的,这种不确定性有利于人们在观赏舞蹈时结合个人的生活经验拓展想象的空间,获得较大的审美愉悦。

(一)舞蹈艺术的起源、发展与基本类型

舞蹈是人类最早的艺术活动。远古时代,人类就会用动作、姿态来传达各种信息和进行情感、思想的交流,这是人类舞蹈艺术的基础。后来的舞蹈艺术便是这种实用层面的升华,是某种生活和社会情绪的集中宣泄。比如特别高兴欢快的时候,人们就会“手之舞之,足之蹈之”,翩翩起舞,以示庆贺。这时候,舞蹈不仅是一种情绪的宣泄,而且是一种美的展示,属于表演的艺术范畴。图腾集会、恋爱求偶等都是人类早期舞蹈表演的最佳场合,人们利用这些表现机会,将舞蹈——这种表演的美献给神灵、献给族群、献给自己的心上人。汉字“舞”是房子、夕阳和牛的组合和写意。牛的蓄养和用于耕作,是人类生产力进步的第一个重大表现,牛是人们的最大生活寄托和精神快慰。据《吕氏春秋·仲夏纪·古乐》记载:“昔葛王氏之乐,三人操牛尾,投足以歌阕。”西班牙的“斗牛舞”也表达了原始先民以牛为乐的情态。在原始人的舞蹈活动中,表现狩猎和种植以及各种劳动生活的舞蹈占有很大的比重。探讨舞蹈的起源,可以这样认为:舞蹈是远古人类在闲适的时候对劳作、健身和战斗操练等活动的模拟和再现,目的在于图腾崇拜、族群盛会和性爱择偶等活动中表现自身思想情感,以满足个体和群体内在审美冲动的需要。它和诗歌、音乐结合在一起,是人类历史上最早产生的艺术形式之一。

原始社会解体,人类进入奴隶社会,从此,图腾崇拜开始和巫术迷信相结合,因而就产生了巫舞。图腾崇拜和巫术虽然都是原始宗教信仰,但两者性质不同,活动形式也不相同。图腾是原始人类崇拜的偶像,而巫师则是作为人与神之间的桥梁;图腾舞蹈是社会性的集体舞蹈,而巫舞则是巫师的表演。在巫术中,歌和舞被利用为巫术的手段,制造出一种神秘的气氛,以保证巫术的成功。从舞蹈发展的角度上看,巫舞比原始的图腾舞蹈前进了一大步,它从比较粗糙的集体舞蹈转向专业的、个人的舞蹈表演,而且还表现出神话中的人物和故事。中国春秋战国时期的楚国,巫舞十分盛行,规模宏大,形式和内容都相当丰富。

奴隶社会末期,巫舞逐渐向娱君娱神的方向发展。男巫已开始改为女巫,从此巫就失去了原来受崇拜的地位。到了封建社会,宫廷舞蹈大规模地发展,分为祭祀性质的乐舞和宴饮助兴的乐舞。中国的汉魏和隋唐时代,是宫廷舞蹈发展的两个高峰。宫廷内设有专门管理收集乐舞的乐府、太常寺、梨园等机构,训练和培养宫廷乐舞演员和乐员。唐玄宗和南唐李后主等皇帝还亲自参加编制乐舞。印度、日本、朝鲜等国度同样也有专供皇室享用的乐舞和舞伎。在欧洲,古希腊、古罗马的宫廷舞蹈原来也是很兴盛的,自西罗马灭亡后,整个欧洲为教权所统治,娱乐性舞蹈被中世纪教会认为是不道德的而加以禁止,但带有世俗性质的民间舞蹈仍独立于宗教舞蹈之外而发展,直到文艺复兴以后,宫廷舞蹈才重新恢复。

西方17世纪后的宫廷舞蹈,是以社交性质为主的娱乐舞蹈,皇帝也一样参加跳舞。这种舞蹈是向民间吸收了若干种舞蹈形式,由舞师加以改造和传授,以适应宫廷中的社交仪式,这是西方社交舞蹈的起源。

芭蕾是从欧洲宫廷舞蹈发展而来的,首先是属于宫廷中专有的表演,后来转移到剧场中去演出。它制订出一整套技术规范和要求,所以称之为古典芭蕾。古典芭蕾是表演性舞蹈中技巧要求最高和最讲究形式规范的舞蹈,它传播面很广。20世纪初,现代舞在西方兴起,这种舞蹈形式最初是受浪漫主义思潮影响产生的,后来又在现代主义的思想影响下产生出许多舞蹈派别。它总的倾向是反对传统的艺术观念,提倡创新、自由,建立了一套它自己的表演体系和理论体系。现代舞在德国、美国、英国、日本等国家较为流行。 

在舞蹈发展史上,民间舞蹈常常被人忽视,其实只有民间舞蹈才是舞蹈发展的主流。民间舞蹈是人民群众智慧的结晶,具有永远不会枯竭的舞蹈源泉。历代统治者都懂得向民间舞蹈汲取营养,但他们又千方百计去禁止民间舞蹈的活动。民间舞蹈源远流长,它并不因为被禁止而停止发展,也不因为被宫廷吸收而改变其固有的乡土特色,它始终以绚丽多姿的风貌在民间广泛流传。 

根据舞蹈的作用和目的,舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类。     

生活舞蹈是人们出于娱乐、交际和健身的目的而进行的舞蹈活动,包括有:习俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈等。     

艺术舞蹈是指由专业或业余舞蹈家结合自己的生活感受进行艺术创造,从而创作出主题思想鲜明、情感丰富、形式完整,具有典型化的艺术形象,由舞蹈演员在舞台或广场表演给广大群众观赏的舞蹈作品。艺术舞蹈品种繁多,大致可分为古典舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈、当代舞蹈和芭蕾舞等类别。    

古典舞蹈:是在民间舞蹈基础上,经过历代专业工作者提炼、整理、加工创造,并经过较长期艺术实践的检验而流传下来的,被认为是具有一定典范意义和古典风格特点的舞蹈。世界上许多国家和民族都有各具独特风格的古典舞蹈。欧洲的古典舞蹈,一般都泛指芭蕾舞。     

民间舞蹈:是由广大人民群众在长期历史进程中集体创造,不断积累、发展而形成的,在群众中广泛流传的一种舞蹈形式。它直接反映人民群众的思想感情、理想和愿望。由于各个国家、各民族、各地区人民的生活劳动方式、历史文化心态、风俗习惯以及自然环境的差异,民间舞蹈具有不同的民族风格和地方特色。  

现代舞蹈:是19世纪末和20世纪初在欧美兴起的一种舞蹈流派,其主要美学观点是反对当时古典芭蕾的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的形式主义倾向,主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程序的束缚,以合乎自然运动法则的舞蹈动作,自由地抒发人的真实情感,强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。   

当代舞蹈(新创作舞蹈):它是不同于上述三种风格的新风格的舞蹈。它常常是根据表现内容和塑造人物的需要,不拘一格,借鉴和吸收各舞蹈流派的各种风格、各种舞蹈表现手段和表现方法,兼收并蓄为我所用,从而创作出不同于已经形成的各种舞蹈风格的具有独特新风格的舞蹈。    

此外,根据舞蹈的演员数量和题材,舞蹈还可划分为独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞,歌舞、歌舞剧、舞剧等形式。   

独舞:由一个人表演完成一个主题的舞蹈,多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。    

双人舞:由两个人表演共同完成一个主题的舞蹈,多用来直接抒发人物的思想感情的交流和展现人物的关系。探戈是一种典型的双人舞蹈,源于非洲,但流行于阿根廷。伴奏音乐为2/4拍,顿挫感非常强烈,因此在实际演奏时,将每个四分音符化为两个八分音符,使每一小节有四个八分音符。目前,探戈是国际标准舞大赛的正式项目之一。

三人舞:由三个人合作表演完成一个主题的舞。根据其内容可分为表现单一情绪和表观一定情节,以及表现人物之间的戏剧矛盾冲突三种不同的类别。

群舞:凡四人以上的舞蹈均可称为群舞,一般多为表现某种概括的情结或塑造群体的形象。通过舞蹈队形、画面的更迭变化和不同速度、不同力度、不同幅度的舞蹈动作、姿态、造型,能够创造出深邃的诗的意境,具有较强的艺术感染力。

组舞:由若干段舞蹈组成的比较大型的舞蹈作品,其中各个舞蹈有相对的独立性,但它们又都统一在共同的主题和完整的艺术构思之中。

歌舞:是一种歌唱和舞蹈相结合的艺术表演形式,其特点是载歌载舞,既长于抒情,又善于叙事,能表现人物复杂、细腻的思想感情和广泛的生活内容。

歌舞剧:是一种以歌唱和舞蹈为主要艺术表现手段来展现戏剧性内容的综合性表演形式。

舞剧:以舞蹈为主要艺术表现手段,并综合了音乐、舞台美术(服装、布景、灯光、道具)等现代手段,表现一定戏剧内容的舞蹈作品。

(二)东西方民间舞蹈

1.东方民间舞蹈

(1)中华民族的民间舞蹈

鼓舞:鼓舞的特点是威武雄壮、气势磅礴,多用于鼓舞士气,以壮声威。早在3000多年前殷商时代的甲骨文中,就有关于击鼓撞钟的记载。汉代画像石中的《建鼓舞》、南北朝石窟艺术中的《花鼓伎乐》、唐代敦煌壁画中众多的《腰鼓舞》画面,以及宋、明各代关于鼓舞的记载等,说明鼓舞在中国历史悠久,流传广泛。现今流行在霍州、洪洞、汾西、临汾一带的民间广场艺术——威风锣鼓,从农运会舞到了亚运会,从省城舞到了天安门广场,从黄土高坡舞到了新加坡,舞出了典型的民族性格,舞出了中华魂。2007年6月8日,山西省临汾市威风锣鼓表演艺术团获得国家文化部颁布的首届文化遗产日奖。著名的鼓舞还有陕西的《安塞腰鼓》、安徽的《凤阳花鼓》等,除汉族众多的鼓舞外,少数民族的鼓舞有藏族的《执巴鼓舞》、维吾尔族的《手鼓舞》,及苗、彝、壮、瑶等族的《铜钹舞》,瓦族的的《木鼓舞》等,历史悠久,传承至今。

舞龙:”是中华民族的象征。舞龙有祈福纳祥、驱邪避灾的含义,自殷周时代的“祭天”开始,舞龙活动经久不衰,成为中华民族的共同习俗。舞龙”道具的定型源于汉代的灯节,又称“龙灯”。灯节中的花灯种类繁多,诸如花草、虫鱼、鸟兽,应有尽有,唯以“龙灯”为巨为尊。各族人民的舞龙表演,种类繁多,各具特色,常见的有火龙、草龙、毛龙(贵州石阡)、人龙、布龙、纸龙、花龙、筐龙、段龙、烛龙、醉龙、竹叶龙、荷花龙、板凳龙、扁担龙、滚地龙、七巧龙、大头龙、夜光龙、焰火龙等近百种之多。龙灯的节数一般为7节,也有9节、13节甚至更长的。每年春节,老百姓就要敲锣打鼓来舞龙灯,家家户户迎进送出,喜气洋洋。舞龙的艺人们有时一天可以吃五六次酒宴,收回很多礼物。

舞狮:舞狮在中国历史悠久、流传广泛。龙和狮子都是中国人民心目中的吉祥瑞兽。早在汉代,月氏(今克什米尔及阿富汗一带)、安息(今伊朗)等周边国度就曾派遣使者向汉王朝献狮子,汉代开始出现了石刻狮子等雕塑,同时也逐渐有了人模拟狮形的表演。今日广泛流传在中华大地及海外华人聚居区的狮舞,仍然是为祈福纳祥、祝愿生活幸福而舞。1999年,为庆祝建国50周年,天安门前“东方醒狮”方阵,以其磅礴的气势,充分显示了中华儿女昂扬进取的民族精神,是古老狮舞在新时代的发展。

秧歌舞:又称“鞑子秧歌”,俗称“扭秧歌”,多于上元夜表演。扭秧歌属于化妆的歌舞表演,舞者众多,他们化妆成美女、媒婆、持伞灯者、卖膏药者,表演者多持折扇或彩绢对舞,有徒步、高跷之分。20世纪末,群众性的秧歌舞在北方一些城市流行,成为一种全民健身运动的街舞。现今的秧歌舞既有传统特色,又融入了民族舞和现代舞的表演技巧,令人耳目一新。

武舞:即武术表演。武术不仅是一种健身防身的手段,体育竞技项目,而且是一种体育舞蹈,花拳绣腿,一招一式,具有很高的审美价值。武术表演的节奏刚劲有力,套路连贯流畅,眼观六路,耳听八方,拳脚并用,自由灵动,大有风靡世界之势。当战争胜利后或劳动休息时,人们往往会把战斗和狩猎致胜的攻防动作以“舞”的形式予以抽象再现,以示威武和荣誉。经过漫长的发展,这种没有程序的舞练逐渐变成了有程序和表现主题的“武舞”。以后随着“舞”的艺术因素不断增多,“武”的攻防格斗因素减少,“武舞”成为专门供人欣赏的一种艺术活动。武舞包括拳和术,徒手表演为拳,有长拳、太极拳、南拳、象形拳(蛇拳、醉拳、猴拳、鹰爪拳)等;持械表演为术,分单器械、双器械、软器械三类,有剑术、棍术、枪术、刀术、锤术等。当前,武术正在脱去它的神秘面纱,成为一个舞蹈项目走进大众生活。

中华民族是一个能歌善舞的民族,各个少数民族都有自己的特色舞蹈形式。维吾尔族舞蹈轻巧、优美,以旋转快速和多变著称,反映了维吾尔族人乐观开朗的性格。藏族穿着藏式长袍,加上虔诚的宗教心理,给舞蹈渲染上赞歌色彩,如寺庙舞“羌姆”“谐”“果日谐”“卓”以及“热巴”等。蒙古族舞蹈久负盛名,传统的马刀舞、筷子舞、盅碗舞等,节奏欢快,舞步轻捷,表现出了蒙古族劳动人民纯朴、热情、精壮的健康气质。朝鲜族民间舞蹈的特点是动作优美、细腻,动中有静,柔中带刚,如“农乐舞”“长鼓舞”“僧舞”等。黎族的舞蹈有显著的民族特点和浓厚的生活气息。在结婚、盖新房、欢庆佳节或农闲娱乐时,他们都要成群结队地跳起民间舞。如捉鬼舞、招福舞、平安舞、逗娘舞、跳竹竿、舂米舞等。

由于男女授受不亲等儒家传统观念作祟,中原地区人民在社交舞蹈活动方面趋于保守。

(2)印度舞

和中国一样,印度是世界四大文明古国之一。在印度哈拉帕和莫亨殊达罗出土的文物中,有青铜舞女雕像和男舞者石雕像,说明印度先民具有优秀的跳舞传统。从地区角度看,印度舞蹈可分为北印度舞蹈和南印度舞蹈两类。北印度舞蹈主要有克塔克舞和曼尼普利舞。南印度的舞蹈主要有婆罗多舞和格塔克里舞。除上述古典舞蹈外,印度各地还有许多民间舞蹈。这些民间舞蹈都带有浓郁的地方特色和生活气息,深受群众欢迎,是印度灿烂文化的重要组成部分。 

曼尼普利舞:曼尼普利舞是印度四大古典舞蹈之一。舞蹈是曼尼普尔人生活中的重要组成部分,也是妇女必备的一种美德。曼尼普利舞是几种舞蹈的总称,属于曼尼普利舞的有与颂神有关的班格·贾兰恩舞(快步舞)、格拉达尔·贾兰恩舞(击掌舞)、表现克里希纳(黑天神)童年生活的拉卡尔舞(伙伴舞)、泼水节时跳的塔巴尔·金格比舞(月光舞)等。平常人们所说的而且也是闻名全印度的曼尼普利舞,是指充满艳情色彩的拉斯·利拉舞。拉塔和高比族姑娘们穿一种叫巴尼格的圆圈裙,上身着一件紧身短衣,头戴薄纱巾和帽子。她们的服装同舞蹈气氛十分协调,显得更加婀娜多姿、优美动人。   

婆罗多舞:婆罗多舞是南印度泰米尔纳德邦的传统舞蹈,为印度四大古典舞蹈之一。哑演是婆罗多舞的特点,通过身体各部分的动作表达丰富的思想感情,诸如战争、爱情、仇恨等。它需要道具,戴各种面具表达不同故事也是此舞的一大特点。婆罗多舞一般由格尔纳塔克音乐伴奏。阿尔利布琴一响,演员并拢双脚,两手向头上方伸去,然后随着幕后传来指挥演员动作的乐器声,演员用颈部、嘴、眼睛、双手及身体其他各部分的动作和表情,自如地表达各种思想。 

格塔克里舞:格塔克里舞是卡拉拉邦最有名的舞蹈,也是印度四大古典舞蹈之一。格塔克里舞实际上是一种故事性很强又独具特色的颂神舞。格塔克里舞通常在庙会期间于夜晚演出,剧中所有角色均由男子扮演。表演的形式是哑演,但有敲打乐器伴奏。舞中的故事情节,用朗诵诗的形式表达。面部化妆在格塔克里舞里占有重要地位,经过化妆的面部,有助于表现舞蹈的各种思想内容。格塔克里舞一般都取材于《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》两大史诗,但是现在也有人用它作为政治宣传的手段。 

克塔克舞:克塔克舞是印度四大古典舞蹈之一。克塔克舞原是一种宫廷艳情舞,在封建帝王时代,专供王公贵族茶余饭后消遣,现在则成为大家皆跳的舞蹈。克塔克舞演员的脚上系有许多小铜铃,铜铃随着鼓声的变化而发出不同响声,时而铿锵有力,繁音流泻;时而细碎悦耳,娓娓动听。演员则随着鼓点和音乐用身体各部分的动作和面部表情,表现各种感情,所以有人称它是表演各种体态的舞蹈。目前这种舞蹈大多出现在银幕上和舞厅里。   

印度除古典舞蹈外,各地还有许多著名的民间舞蹈。  

彭戈拉舞:它是旁遮普人在丰收季节跳的一种庆丰收舞。舞者不拘老幼,任何人都可参加。只要有块空地,一群人聚在一起,敲起鼓,便可跳起来。

格塔舞:它是旁遮普邦最古老的舞蹈。“格塔”的意思是击掌。从前跳格塔舞是为了取悦天神。格塔舞非常简单,然而舞姿动人。今天在人们结婚等喜庆活动时也跳这种舞蹈。格塔舞一般是妇女跳的舞蹈,男子也可以跳,但是要和妇女分开,另外围成一圈。只有庆祝结婚时,男女才可以共舞。   

秋莫尔舞(即狂舞):它是男子跳的一种舞蹈。跳秋莫尔舞的人,头戴华丽头巾,身着白色圆领长衫,脚穿软鞋。秋莫尔舞十分优美动人,一跳就是三四个小时。   

波瓦依舞:它是古吉拉特邦的一种著名民间舞剧,但没有舞台,在露天广场或庙宇的庭院内演出。演出时需要在庭院或广场里放一尊神像,并在像前点盏油灯。舞剧中往往夹杂一些讽刺性的笑话,具有戏剧特色,很有意思,深受人们的欢迎。   

格尔巴舞:它属于敬神舞,是古吉拉特邦最受欢迎的民间舞蹈。它有两种形式,即“格尔巴”和“格尔比”。格尔巴舞是女子跳的,格尔比舞是男子跳的。   

拉斯舞:它是古吉拉特邦另一种著名的民间舞蹈,历史悠久。这是一种男女混合舞,有三种形式,即登得·拉斯格(棍子舞)、达尔·拉斯格(击掌舞)、拉黑德·拉斯格(表演舞)。跳拉斯舞时,服饰没有定规,有时要有一个演员打扮成黑天神的模样。   

对印度人来说,舞蹈不仅是一种审美艺术,更是一种表达信仰的方式。印度舞通过手指、手臂、眼睛、五官、身体语言,表达着对神的无比虔诚,诠释着洁净无私的大德大爱,所以一些印度舞只在庙里表演给神看,印度舞也因此多了一层神秘宗教色彩。 

印度舞节奏明快,一段4分钟舞蹈有大约50多个动作,包括了手势、眼神、面部表情等。起舞前,腿保持弯曲,手合起来,行开启礼,接着手伸展开,脚向前跨一步,随着音乐开始变换手姿。手部姿态约有100多种,每一种手姿都有特定的意义,有的代表美丽,有的代表和平,有的代表生气,有的甚至表示丑陋。印度人相信手姿是人和神交流的符号,而不同的神喜欢不同的手姿。随着舞蹈动作越来越快,手语变幻莫测。印度舞中,手势是非常重要的舞蹈语言,所以舞者很在意手镯,佩戴数量很多。印度舞中有许多跺脚的动作,既要有脆响的声音,又要有急促的节奏,所以脚躅很重要。女孩一般在结婚或跳舞时眉心点红点。不跳舞的时候,通常只有已婚妇女才能点红点,跳舞的时候则都能点。红点是印度教的象征,表示好运。 

2.西方社会的民间舞蹈

(1)拉丁舞。拉丁舞又称拉丁风情舞或自由社交舞。拉丁舞是民间舞蹈,休闲、浪漫、随意、放松、大众化是它的特点。拉丁舞包括恰恰、伦巴、桑巴、斗牛和牛仔舞,它们分别起源于拉美不同的国家和地区,20世纪初期在英国被规范和发展,并很快在许多国家流行起来。

伦巴舞:起源于古巴,音乐为4/4拍,速度每分钟27小节左右。伦巴舞的特点是音乐缠绵,舞态柔美,舞步动作婀娜摇摆。古巴人习惯头顶东西行走,以胯步向两侧的扭动来调节步伐,保持身体平衡。伦巴的舞步秉承了这一特点。原始的舞蹈风格,融进现代的情调。动作舒展,缠绵妩媚,舞姿抒情,浪漫优美,配上缠绵委婉的音乐,使舞蹈充满浪漫情调。

恰恰舞:起源于墨西哥,音乐为4/4拍,速度每分钟31小节左右。恰恰舞音乐有趣,节奏感强,舞态花哨,舞步利落紧凑,在全世界广为流行。

桑巴舞:起源于巴西,音乐为4/4拍或2/4拍,速度每分钟51小节左右。桑巴舞音乐热烈,舞态富有动感,舞步摇曳多变,深受人们的钟爱。

斗牛舞:起源于法国,发展于西班牙,它的音乐为2/4拍,速度每分钟62小节左右。斗牛舞音乐雄壮,舞态豪放,步伐强悍,强烈节奏令全场振奋。

牛仔舞:起源于美国,是由一种叫“吉特巴”的舞蹈发展而来的。牛仔舞剔除了“吉特巴” 中所有的难度动作,增加了一些轻快技巧。牛仔舞是一种节奏快、耗体力的舞。牛仔舞要求手脚的关节放松,自由地舞蹈,身体自然晃动,脚步轻松地踏着,且不断地与舞伴换位,转圈旋转,其音乐节拍为4/4拍,速度每分钟43小节左右。也正是因为它的音乐欢快、舞态风趣、步伐活泼轻盈的特点,得到了越来越多人的认可。

拉丁舞的五项舞蹈各有风格:桑巴激情,恰恰活泼,伦巴婀娜,斗牛强劲,牛仔逗趣。风格的不同,最主要的是内涵的把握。拉丁舞是以运动肩部、腹部、腰部、臀部为主的一种舞蹈艺术。参加运动的包括腹直肌、腹内斜肌、腹外斜肌、竖脊肌、背阔肌等上百块肌肉。从20世纪60年代至今,许多科研人员对体育舞蹈的生理和心理作用做过研究,平均每跳一曲拉丁舞,腰部的扭转有160—180次,女子的最高心率可达197次/分钟,男子的最高心率可达210次/分钟。大约能量代谢为8.5以上,相当于长跑运动员完成一个800米赛程的热能消耗量,大于网球和羽毛球的热能消耗,减脂效果可想而知。

(2)迪斯科

迪斯科是法语discothèque的略写,原意为播放唱片的舞会。迪斯科其实是一种伴随着强烈的音乐节奏,没有规定动作的即兴式的自由扭摆身体的舞蹈。迪斯科舞的基调是热情和健康的,解放自己心灵和肉体,充分表达自我,演绎平等、自由、博爱的理念,展示健康美与心灵美。

(三)美轮美奂的舞台舞蹈艺术

舞台舞蹈是由训练有素的专业舞蹈家、舞蹈演员所进行的专场演出。它们往往是有标题或是有剧情的,经过精心设计的一套舞蹈动作和舞台设计。舞剧是舞台舞蹈艺术的主要形式。      

舞剧是以舞蹈为主要表现手段,并综合运用了音乐、舞台美术和灯光,来塑造人物、刻画性格、抒发情感、推进情节的一种戏剧形式。用舞蹈来叙事非比寻常,它给观众一个全新的欣赏视角,全新的感受。舞蹈是音乐的图解,音乐是舞蹈的灵魂,从陌生到感悟,显示出舞蹈语言的高超和绝妙,这种典雅的特性和抽象的境界,是其他表演艺术所无法比拟的。

1.芭蕾舞

“芭蕾”是法文Ballet的音译,芭蕾舞是欧洲古典舞蹈,起源于意大利,形成于法国。芭蕾舞作为法国的宫廷舞蹈,是一种经过宫廷的职业舞蹈家提炼加工、高度程序化的剧场舞蹈。“芭蕾”这个词在法语中意为“跳”,或“跳舞”,其最初的意思只是以腿、脚为运动部位的动作总称。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地,故又称脚尖舞。脚尖鞋的运用和脚尖舞的技巧,将芭蕾舞与其他舞蹈品种明显地区分开来。法国宫廷的舞蹈大师们为了重建古希秸(法国诗歌名)融诗歌、音乐和舞蹈于一体的戏剧理想,创造出了“芭蕾”这样一种融舞蹈动作、哑剧手势、面部表情、戏剧服装、音乐伴奏、文学台本、舞台灯光和布景等多种成分于一体的综合性舞剧形式。芭蕾舞走出宫闱,面向社会,成为一种广场艺术。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期,17世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化,在不断革新中风靡世界,其代表作品有《天鹅湖》《仙女》等。从1964年起,我国开始了中国芭蕾舞剧的创作实践。《红色娘子军》与《白毛女》是“洋为中用”的艺术结晶,这两部作品的演出成功,在中国芭蕾舞剧发展史上具有里程碑式的意义。

19世纪末,俄罗斯作曲家柴可夫斯基的《天鹅湖》《睡美人》把芭蕾音乐提高到交响音乐的水平。在他的舞剧中,音乐是和作品内容与舞台动作紧密联系的重要组成部分。柴可夫斯基提高了舞剧音乐的表现力,通过交响性的展开和对人物性格的刻画,加深了作品的戏剧性。他在《天鹅湖》中,以富于浪漫色彩的抒情笔触,表现了诗一般的意境,刻画了主人公优美纯洁的性格和忠贞不渝的爱情,并以磅礴的戏剧力量描绘了人物内心的矛盾冲突。因此,柴可夫斯基的《天鹅湖》至今还是芭蕾音乐的典范作品。

2.现代舞

现代派艺术思想是西方人文主义运动的结晶,它解构了传统艺术的现实主义或浪漫主义倾向,主张深入人的内心深处去关注人的发展,关怀人的命运,去拯救人和解放人。西方艺术一般都经历过这样的改造,舞蹈也不例外。美国现代主义舞蹈家海伦·汤米尼斯概括现代舞的与众不同之处在于:不存在普遍的规律,每一个艺术家都在创造自己的法典。现代舞是对传统芭蕾舞动作规范的挑战,美国舞蹈家伊莎多拉•邓肯向往原始的纯朴和自然的纯真,主张“舞蹈家必须使肉体与灵魂结合,肉体动作必须发展为灵魂的自然语言”,她提出“反芭蕾”的口号和“自由舞蹈”的理念。美国现代舞的先驱露丝•圣•丹尼斯广泛吸收了埃及、希腊、印度、泰国以及阿拉伯国家的舞蹈文化,形成了一种具有东方神秘色彩的、表现了一种宗教精神的现代舞。圣丹尼斯的学生格雷厄姆强调舞蹈应客观地表现自我信念,“舞蹈应该剥开那些掩盖着人类行为的外衣,揭露出一个内在的人”。她在《悲悼》中,表现由于焦虑、痛苦使人的身体扭曲和痉挛,就是她对人类“心灵的图解”。她研究了人体在呼和吸之间的形体变化,认为舞蹈家可以用呼吸推动身体的旋转、跳跃和跌倒、撑起。她的早期作品曾引起争议,认为过于阴暗、性感,但她最终成为美国声誉最高、享誉最久,影响到戏剧、电影、电视等各个领域的一代舞者。

《马赛曲》是一台女子独舞,由西方“现代舞之母”邓肯自编自演,1915年4月9日首演于法国巴黎的特罗卡代洛剧院,同年在纽约的大都会歌剧院重演,属于美国现代舞历史上自由舞时期的代表作。《马赛曲》是法国国歌,歌词和曲谱均出自士兵作曲家鲁热·德·利尔之手,因1792年7月由马赛的军队高唱着进军巴黎而取此名。邓肯在这个代表作中,淋漓尽致地表现出作者对那些被压迫者揭竿而起的同情和赞美。舞蹈一开始,舞者身着火红色、沾满斑斑血迹的曳地战袍,象一尊女神雕像那样威然屹立,严阵以待地面对着步步逼近的入侵之敌。突然,观众从她极其戏剧性的表情中,仿佛看到了大批敌人开始进犯。这种突如其来的袭击使她哑然失色,仿佛被敌人掐住了喉咙,几乎要将她压垮。似乎经过了一番努力,她飞快地跳起身来,热切地亲吻着红旗,像孩子吸吮母亲的乳汁那样,从中汲取着战斗的力量。当这场艰苦卓绝的战斗结束时,她在突然降临的寂静之中,俨然化作了一部经过战火洗礼的史诗,一首赞美人民革命的颂歌,一幅气吞山河的画卷,一尊自由女神的雕像。无论在法国,还是在其他国家,她在跳完这个舞蹈时,总要以简单明了的哑剧动作,准确地阐释出歌词中火药味十足的革命内涵,而结果则总是使观众激动得站起身来振臂高呼。

3. 风格多样的中国现代舞

在欧美现代舞发展的直接影响下,中国现代舞开始萌动。中国没有经历过西方的启蒙运动,人文主义传统比较薄弱,现代舞的概念在中国人的心目中就是新式舞蹈,就是富于创意、富于幻想、新潮热烈,很符合现代青年的心理特性。中国人对现代舞的理解用感受说话,认为欣赏现代舞不应去强调是不是看得懂、是不是表达什么主题或者能不能接受教育,而应欣赏它通过形体所表达出来的美以及给你带来的那瞬间的感受。对现代舞而言,没有“禁区”,也没有“墓地”,更没有“终结”,这其实就是对“自由舞蹈”的最好诠释。和西方现代舞融合了东方的舞蹈元素一样,中国的现代舞也吸取了西方乃至东方各民族舞蹈的精华,大胆地进行舞蹈创作和创新,许多优秀的舞蹈作品层出不穷,风格变幻,趣味各异,多彩多姿,脍炙人口。

《阿诗玛》:阿诗玛是彝族分支撒尼族(中国西南部)传说中的一位美丽少女。阿诗玛聪明、善良、美丽,她与勇敢憨厚的牧羊人阿黑相爱。头人热布巴拉之子阿支贪恋阿诗玛的姿色,心存歹念。 一次青年人集会时阿支欲调戏阿诗玛,遭到斥责。阿支贼心不死,央求媒人海热带着厚礼前去逼婚,又被断然拒绝。于是阿支趁阿黑去远方牧羊之机,派人将阿诗玛劫走。阿黑赶来成功救走了阿诗玛,两人喜悦地同乘一骑回家。他俩来到溪边,下马小憩。妒火中烧的阿支放洪水将阿诗玛淹死。在阿黑悲愤的呼唤声中,阿诗玛化为一座石峰。民族舞剧《阿诗玛》比较彻底地摆脱了“讲故事”的传统模式,采用了无场次板块式结构,以黑、绿、红、灰、金、兰、白等不同色彩的舞段,围绕着阿诗玛、阿黑、阿支的爱情矛盾,着力揭示不同的人物性格。它以细腻的笔触,精心刻画人物的内心世界——阿诗玛、阿黑、阿支组成了很精彩的双人、三人舞段。同时,在不同色彩的板块式舞段中,从容、酣畅地展现着绚丽多彩的彝族各支系的民间舞。这部舞剧大胆地运用了交响编舞法和某些意识流手段,由于编导有深厚的生活与艺术积累,借鉴中较少斧凿之痕,保持了鲜明的民族性。舞剧《阿诗玛》获得了1994年文化大奖,并被确认为“20世纪经典舞蹈”。 

《丝路花雨》:这是一部以中国大唐盛世为历史背景,以蔚为壮观的敦煌艺术为文化底蕴的友谊壮歌。舞剧在悠扬的乐声中拉开序幕:“飞天女神”在天宇飘荡,将朵朵云花洒向人间……远处,驼铃声中,古道上走过西域商队,风沙骤起,画工神笔张救起昏厥的波斯商人伊努斯,爱女却被强人窦虎掳去,剧情随之依次展开……一场:出落得美丽动人的英娘,沦为舞伎,在街头卖艺,伊努斯为救命恩人赎回女儿。二场:莫高窟中,画工神笔张描绘女儿的舞姿,其中“反弹琵琶”造型,独具魅力。市曹觊觎英娘的美貌,欲征入官府,据为己有。神笔张将爱女托付给伊努斯。三场:英娘远在他乡思念亲人。四场:神笔张思女并梦游自己彩绘的天宫幻境。五场:伊努斯出任唐使携英娘归国,途中以市曹为代表的恶势力企图加害波斯商队,神笔张点燃烽火呼救却血染大漠。六场:敦煌多国交易会,英娘在伊努斯的帮助下借卖艺潜入会场,揭露市曹等的罪恶,大唐节度使怒斩恶人。尾声:丝绸之路上洋溢着友谊之歌。 这部舞剧在学者、专家的帮助下,经过深入研究,从累积了两千多身彩塑、4万多米壁画的莫高窟里保存着的历代舞姿图绘入手,选取、提炼出典型化的静态舞姿,探讨其动作流程态势,使其“复活”,在此基础上建立起这部舞剧自成体系的舞蹈语汇,由此引发了“敦煌舞派”的兴起,丰富、拓展了中国古典舞的园地。这部作品获庆祝中华人民共和国成立30周年创作、演出一等奖,被确认为“20世纪经典舞蹈”。

《千手观音》:原名“敦煌舞”。2004年9月,在雅典残疾人奥运会的闭幕式上,《千手观音》一舞世界惊,也是2005年春节晚会中最精彩的节目,其后在世界各地巡演,收到赞誉一片。领舞是聋哑女孩邰丽华,她曾以表演舞蹈《雀之灵》深入人心,也是中国唯一登上两大世界顶级艺术殿堂——美国纽约卡内基音乐厅和意大利斯卡拉大剧院的舞蹈演员。在民间,千手观音是中国人心目中大慈大悲、万能的女神。庄严的音乐中,二十多个聋哑小姑娘穿着金黄色外衣,戴着高高的头饰出场,优雅灵动的舞姿、美轮美奂的造型,用形体展示着东方女神无与伦比的美丽圣洁与博爱胸怀。演出历时八分钟,舞台上的光彩与神韵,充分展现了真正的东方艺术,让观众感受到了真正的中国风格,魅力四射,满座震撼。舞蹈最突出的特点就是哑演,这种心灵和舞姿的默契,正是聋哑人最切身的感受,这也是中国残疾人艺术团舞蹈发挥尽善尽美的深度原因之一。《千手观音》的演员们用优美的身段和婀娜的体态表现无声世界的韵律与美感,用端庄的容貌和天使的微笑透出心灵窗户中的祥和与美德,实现了体态与灵魂、形式与内容的完美结合。《千手观音》的人格美是姑娘们战胜残疾的力量源泉,千手观音就是残疾姑娘们的人格化身。观众从节目中感受到的不仅是舞台的美,更多的是面对生活的勇气和力量。

三、中外戏剧艺术

戏剧是在舞台上由演员以对话和动作为主要表现手段,为观众现场表演的一门综合艺术。戏剧艺术包括两个重要组成部分,即文学剧本和舞台表演,此外,舞台美术和音乐也是戏剧活动的重要艺术手段。

戏剧艺术历史悠久,种类繁多。按照作品容量的大小,可以分为多幕剧和独幕剧;按照作品题材不同,可以分为历史剧、现代剧、儿童剧等;按照作品的样式分类,又可以分为悲剧、喜剧、正剧三大类。在世界戏剧史上,这三种类型具有很大影响。悲剧和喜剧在古希腊时代就取得了极大的成就,相对而言,正剧是出现较晚的戏剧类型,自文艺复兴之后才逐渐发展。18世纪,法国思想家狄德罗和剧作家博马舍称这种剧为“严肃剧”,并且大力倡导,这种取材于日常生活并具有社会现实意义的正剧就迅速发展起来。悲剧是戏剧艺术的主要类型之一,常常通过毁灭的形式来造成观众心灵的巨大震撼,产生悲壮的美感,使人们从悲痛中得到美的熏陶和心灵净化。古希腊戏剧、印度梵剧和中国戏曲是世界上影响最深刻的三种古老的戏剧艺术。

(一)古希腊戏剧与西方近现代剧

1.古希腊戏剧

古希腊戏剧是世界上最古老的戏剧,产生于公元前6世纪,公元前5世纪达到鼎盛。有史料证实,雅典最早的戏剧传统起源于祭奠酒神狄俄尼索斯的宗教活动,是古代希腊文明的一个重要组成部分。古希腊戏剧受场地、时限的制约,剧情通常只发生在一天之内,场景也不变换。在情节上也往往只有一条主线,史称“三一律”。后来,戏剧逐渐成为雅典市民文化生活中的重要组成部分,剧作的主题也逐渐丰富起来,不仅取材于古希腊神话,也开始直接反映现实。当时认为悲剧和喜剧是两种截然不同的戏剧样式,但有一种羊人剧是当时具有另类风格的剧种,它在题材上和悲剧一样以神祇或贵族为主角,但却透过戏谑的剧情与粗鄙的言语讽刺嘲笑剧中主角,兼具喜剧的风格。古希腊的剧场一般都是露天的,包括乐池(或主厅、舞池)、景屋以及观众席三个部分。面具是古希腊戏剧的主要特色。在一部戏剧中,每个演员都有表现角色个性的独特面具,其面部表情或痛苦或微笑或邪恶,能够吸引观众的注意力并给观众留下深刻的印象。古希腊戏剧熔语言、音乐与舞蹈艺术于一炉,与中国戏曲活动中的说、唱、逗、打如出一辙。

古希腊戏剧的主要剧种是悲剧和喜剧。悲剧和喜剧无论在戏剧题材方面,在表演场合方面,还是在表演风格方面,都有很大的差别,会上(典礼仪式)会下(游行狂欢),一庄一谐,成为鲜明的对照。

(1)古希腊悲剧。古希腊悲剧起初主要表演与酒神的经历相关的故事,后来题材才逐渐扩大,涉及其他的神话传说,甚至当代重大的社会政治事件也被纳入题材范围,如关于普罗米修斯拯救人类的传说,关于奥狄甫斯的悲苦命运的传说,关于美狄亚的遭遇和复仇的传说,关于特洛伊战争传说等。悲剧具有庄严性,它不但是一种公共娱乐形式,同时也是进行公民教育的重要手段,适应了社会政治和伦理道德的教育需要。古代希腊人观赏戏剧带有全民性,堪称“戏剧民族”,国家甚至发放补贴来鼓励人们去观看戏剧演出。

古希腊悲剧家辈出,其中以埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯最享盛誉。他们的创作代表了古希腊悲剧的不同发展阶段。埃斯库罗斯的悲剧气势宏伟,人物形象高大,譬如普罗米修斯,他造福人类,谴责宙斯的专制和横暴,从而受到迫害。他被钉在高加索悬崖上的形象永远令人崇敬。埃斯库罗斯喜欢用情节相关联的传说故事创作三联剧,他的传世悲剧《奥瑞斯特亚》至今仍然被誉为世界悲剧的杰作。故事取材于特洛伊战争传说,剧情涉及残忍的血亲仇杀和法制的建立,表达了作者对暴政的憎恶和对民主制的向往。阿伽门农是迈锡尼王,希腊远征特洛伊军队的统帅。他征战十载,凯旋班师时,谋杀已经在等待着他。正是这种强烈的悲剧氛围,激发着人们对古代希腊奴隶制民主的颂扬和景仰。索福克勒斯的悲剧创作以情节结构严谨、完美取胜,代表了古希腊悲剧艺术的成熟。欧里庇得斯则使以神话传说为题材的古希腊悲剧更接近人们的日常生活,把天神请到了人间。

(2)古希腊喜剧。古希腊喜剧起源于祭祀酒神最后的仪式——狂欢歌舞和出自民间或乡下的滑稽戏。公元前487年,雅典正式确定在春季酒神节庆中增加喜剧竞赛项目。古希腊喜剧大半是政治讽刺剧和社会讽刺剧,产生于言论比较自由的民主政治繁荣时期。这一时期的喜剧具有较强的批判性,尤其擅长讽刺当权人物。这时的喜剧被称为“旧喜剧”。旧喜剧题材普遍来源于现实生活,情节的构筑与演员的表演极具夸张性,往往是怪诞的、奇异的。戏剧冲突主要在两个主要角色之间展开,“对驳”成为剧情和表演的主要戏份,以一方的胜利欢乐地结束。公元前5世纪雅典曾产生过三大喜剧诗人,分别是克拉提诺斯、欧波利斯和阿里斯托芬,只有阿里斯托芬有作品传世。阿里斯托芬生活于伯罗奔尼撒战争时期,雅典的城邦文明正在衰落之中,雅典社会出现了贫富分化、政治派系等现象,这些都成为剧作家创作的素材。阿里斯托芬一生共写过44个喜剧剧本,但完整流传下来的只有11部,比较著名的包括《巴比伦人》《云》《鸟》《骑士》《阿卡奈人》等。其中《鸟》是最优秀的作品,也是古希腊现存的结构最完整的寓言喜剧,是乌托邦喜剧的滥觞。阿里斯托芬是整个欧洲的喜剧之父,正是他奠定了西方文学中喜剧以滑稽形式表现严肃主题的传统。

2.西方近现代戏剧艺术

古希腊戏剧和西方中世纪的戏剧艺术之间出现了一个近500年的戏剧艺术断层。尽管中世纪诞生的宗教戏剧与古希腊戏剧在艺术形式上保有戏剧艺术的某些共性,但两者之间并不存在直接的传承关系。文艺复兴时期的戏剧以中世纪宗教戏剧为直接源头,同时借鉴了古典戏剧的某些艺术传统。这一时期,科学精神与理性自觉促使戏剧观念发生深刻变迁,戏剧类型的区分日渐明晰。曾综合运用于古希腊戏剧的语言、音乐、舞蹈三种戏剧元素逐渐分化、膨胀,并各自朝单一方向延伸,分别形成了话剧、歌剧与芭蕾舞剧三种现代戏剧样式。戏剧元素的重新结构、组合,实现了戏剧艺术发展过程中的新的转型。

公元前146年,罗马攻占了希腊,此后,罗马戏剧也随之发展起来。公元476年,西罗马灭亡并进入封建社会,封建统治者与教会沆瀣一气,利用教会文化宣扬封建信条,极力排斥和摧残非教会文化。戏剧艺术当然也不能幸免,这个时期的戏剧艺术在整个欧洲都极其衰微。直到15世纪下半叶,现代文明才重新降临欧洲大陆,这就是著名的文艺复兴运动,这也是欧洲从封建社会向资本主义社会的过渡时期。

文艺复兴是欧洲各国资产阶级掀起的反封建、反教会的思想文化运动。他们要利用古代文化来创造与中世纪封建教会文化根本对立的资产阶级文化,他们高举人文主义思想旗帜,赞美人的智慧和力量,肯定人的价值和尊严,提倡理性和科学知识,鼓励人们追求现世的幸福与自由,是对中世纪封建的宗教迷信思想和禁欲主义意识的全面反攻。在艺术方面,他们反对中世纪文学那种呆板的、象征的、虚幻的艺术手法,着重写实,力求描写人——那种有血有肉的活生生的人。意大利是欧洲文艺复兴的策源地。意大利的戏剧直到16世纪才发展起来,这时期意大利戏剧的主要成就是喜剧,代表剧作是马基阿维里(1469—1527年)的《曼陀罗花》。

文艺复兴是欧洲戏剧发展史上的黄金时代。文艺复兴时代的戏剧家不仅从内容、形式上模仿古典戏剧,而且通过研究古典戏剧理论,创造出历史剧、现代剧、童话剧、心理剧等一系列戏剧新类型。同时,在创作过程中,戏剧家把人本精神和对现实生活的感受融入剧作中,使作品更多地反映人的天性及社会生活,具有鲜明的时代特色,文艺复兴时的戏剧因此超越了古典戏剧成就,为近代欧洲戏剧发展奠定了基础。

话剧是以说话和动作为主要表演手段的戏剧。话剧发源于古希腊悲(喜)剧,经过漫长的欧洲中世纪后,在文艺复兴运动中蓬勃发展,以英国莎士比亚的话剧最为著名。后来,法国古典主义戏剧称誉一时。之后,在启蒙运动过程中,话剧在欧洲大地再展英姿,在影视艺术成熟之前,话剧一直是欧洲舞台艺术的劲旅。

莎士比亚(1564—1616年)出生于英国一个富裕市民家庭,他从小就接触到古罗马的诗歌与戏剧,因此对戏剧产生了浓厚的兴趣。后来家庭破产,他曾到剧院门前为看戏的绅士管马匹,不久又当了剧院杂役,进而成为剧院演员和股东,随着生活和舞台经验的丰富,他开始了戏剧创作活动。靠非凡的才华和不懈的努力,他创作了37部戏剧,2 部长诗,154 首十四行诗,特别是悲剧和喜剧,是世界文坛上的艺术珍品。《哈姆雷特》《奥赛罗》《李尔王》《麦克白》四大悲剧代表了他戏剧创作的最高成就。《哈姆雷特》是描写丹麦王子哈姆雷特为父复仇而遭毁灭的故事,揭示了人文主义理想与英国黑暗现实之间不可调和的矛盾,是一曲人文主义的悲壮颂歌。《奥赛罗》写的是摩乐人贵族奥赛罗由于多疑和嫉妒,听信谗言,掐死妻子苔丝德蒙娜,而后自己悔恨自杀的悲剧故事。作者愤怒抨击了新兴资产阶级的极端利己主义。《李尔王》描写一个专制独裁的昏君,由于刚愎自用而遭受一场悲剧的遭遇,揭示了资产阶级原始积累时期的利己主义和对权势、财富的贪欲。《麦克白》揭示了野心对人的腐蚀作用,是心理描写的杰作。另外莎翁还写了一些著名的喜剧作品,如《威尼斯商人》等。莎士比亚的戏剧题材广泛,内容曲折,结构严谨,生活气息很浓,寓意深远,语言优美,深受各国观众欢迎。

西方经典的话剧作品还有《伪君子》(法国 17 世纪喜剧作家莫里哀的代表作)、《浮士德》(19 世纪德国大作家歌德创作的著名诗体悲剧)、《玩偶之家》(挪威近代著名剧作家易卜生的社会问题剧之一)等。

歌剧是把戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术结合在一起的一种综合艺术。近代西洋歌剧产生于被称为文艺复兴时代的16世纪末的意大利,以后逐渐传遍世界各地。有的西洋歌剧以完全歌唱和器乐不断发展为基础;有的则以对白和音乐段落相交替为基础;还有大歌剧、轻歌剧、小歌剧、娱乐剧等不同类型。歌剧的声乐部分由咏叹调、宣叙调,各种重唱、合唱等组成,器乐部分由乐队序曲、间奏曲、舞曲等组成。西方经典的歌剧作品有《茶花女》《阿依达》《图兰朵》《卡门》《塞尔维亚的理发师》《托斯卡》等。

舞剧是以舞蹈作为主要表现手段的舞台艺术。哑剧表演是推进剧情、提示矛盾的重要手段,其突出的特点是演员在台上不说也不唱,完全依靠形体的表现力来完成所有的戏剧要求——主题思想的阐述、矛盾冲突的展现、人物性格的塑造。训练有素的舞剧演员是通过优美的舞姿、和谐的韵律、高超的技巧“说话”和“唱歌”的,说出角色的心里话,唱出人物的情愫来。芭蕾舞剧起源于文艺复兴时期的意大利,后传入法国获得极大发展。芭蕾舞剧是由舞蹈演员身着剧装在音乐伴奏下表演的戏剧。音乐在芭蕾舞剧中占有不容忽视的地位。19世纪中叶以后出现大量优秀的芭蕾舞剧音乐作品,如柴可夫斯基的《天鹅湖》、斯特拉文斯基的《火鸟》等。

(二)印度梵剧

印度戏剧从公元前后到12世纪为古典梵剧时期。印度古典戏剧——梵剧,从题材上看,存在历史题材和现实题材两类。历史题材取材于史诗和传说故事,这类题材是印度古典戏剧的主要部分,如以描写宫廷生活为中心的《摩罗维迦》,在传说故事中融入新意的《沙恭达罗》等。现实题材以刻画都市世态人情为主,如《小泥车》等。此外还有一些以宗教宣传为宗旨的作品,如《马鸣戏剧残卷》。

印度梵剧的剧本样式相对完整,可分为引子、正文和尾诗三部分。引子是戏剧开场的方式,一般与剧情无直接关联,尾诗有的由剧中人物唱出或念出,有的是外加的,有深化主题的作用。剧本的正文由说白、唱词和动作提示三因素组成,说白中除了对白,还有独白与旁白。唱词归于角色,融汇于剧情,与希腊悲剧的演唱形式有所区别,接近中国古典戏曲的唱词,因为中国戏曲的形成晚于梵剧,因此有中国戏曲渊源于印度梵剧之说。动作提示多样而细致。剧本语言雅俗相间,主角和上流人物对话时多用雅语,而妇女和下层人物多用俗语。现存最早的梵剧是马鸣的《舍利弗传》,主要剧作家有迦梨陀娑、首陀罗迦等。首陀罗迦的《小泥车》与迦梨陀娑的《沙恭达罗》成就最高,堪称中古印度戏剧的双峰。在印度人民群众和学者中流传着几句话:“在所有的艺术形式中,戏剧最美。在所有的戏剧中,《沙恭达罗》最美。在《沙恭达罗》中,第四幕最美。在第四幕中,有四首诗最美(指沙恭达罗与义父干婆离别时的那几首诗)。”

至于梵剧的艺术表演形式,史料记录不全,人们对它的了解还不太多。从《马鸣戏剧残卷》看,当时角色的出现方式至少有三种:一是为角色拟定了名字的;二是仅标明角色身份的,如“妓女”“主角”等,并出现有鲜明特点的丑角;三是以抽象概念为角色命名的,如“智慧”“名誉”等。

从公元1世纪到12世纪印度梵剧高度发达,至今东南亚国家的一些古典舞蹈,就属于印度梵剧的传承,包括中国的古代戏曲也深受梵剧艺术的影响。到了12世纪后,梵剧以其千年之身,不免年老色衰,曲高和寡,终于为普遍勃兴的印度各地方言戏剧所取代。

印度的卡提亚达姆梵剧源于12世纪到l7世纪的寺庙戏剧。它在艺术上比古典梵剧更丰满更成熟,是一种神圣的戏剧,包含精心设计的剧情和繁复的仪式,以及管弦乐队演奏和舞台道具。象征神圣的火把、圣洁的舞台、心灵纯净的演员,以及庄严神圣的演出,都显示出梵剧的宗教本源。   

古印度梵剧神秘而美丽,2011年,联合国世界遗产委员会已将其列为世界非物质文化遗产保护项目。

(三)中国戏曲与现代戏剧运动

1.古代戏曲

中国戏曲与古希腊悲喜剧、印度梵剧,被誉为世界古代三大戏剧,是人类艺术宝库中的瑰宝。作为中国土生土长的传统戏曲,它是整合了歌唱、舞蹈、说白、表演、美工等多种艺术因素的综合性艺术形式。中国戏曲艺术的起源和形成,经历了一个漫长的发展过程,其涓涓细流可以追溯到原始仪式上。在当时祭祀神灵的仪式中,巫师们常常伴随着音乐,且歌且舞,可视为戏剧的前身。古代的歌、舞、乐,逐渐演变为戏曲的念、唱、做、打,经过先秦、两汉、魏晋南北朝时期的发展创新,在唐代就基本形成为中国戏曲。唐代流行的“参军戏”在剧本、演员阵容以及表演艺术上都树立了它的独特风格,题材有扮演胡人以展示异域风情的优胡戏、取悦王公贵族的宫廷戏,还有军旅戏、家庭戏和宗教戏,这些对于后世戏曲发展有很大的影响。唐明皇李隆基,深谙音律,能自己制曲,曾选有300人在“梨园”教戏,号“皇帝梨园弟子”,“梨园弟子”由此成为戏曲演员的一个雅称。

两宋时期,中国戏曲得到了进一步的发展。宋初已出现了“杂剧”这一名称。“杂剧”以歌舞、说唱、滑稽动作和杂技等表演形式为主,有故事内容和简单角色,成为中国最早的戏剧形式。在两宋交替之际,浙江地区出现了温州杂剧,角色增多,分工细密,有较完整的故事情节和较多的人物形象,这时经过长期演变的歌舞、滑稽戏和曲艺说唱,融合成了较为成熟的戏曲形式——南戏。宋金时期还盛行用不同官调的曲牌联套演唱的说唱艺术形式。它有曲有白,曲体宏大,曲调丰富,可以用来说唱长篇故事,表达曲折复杂的情节。

    在宋代杂剧的基础上,元杂剧又称为“北曲”“元曲”,它以北方流行的曲调说唱形式为主,是北方地方戏“院本”和宋金传统的“诸宫调”相结合的产物。这时戏曲的音乐、舞蹈、歌唱、道白、表演、做科、美工等各种因素都紧密地结合在一起,行话称为“唱”“念”“做”“打”。剧本、音乐、角色都有了稳定的格式,如一部戏一般在结构上分为四折,每折戏的唱词只能由同一宫调的套曲组成,分为末、旦、净、丑四类角色,“正末”为男主角,“正旦”为女主角。剧本以塑造人物形象为中心,并有了完整的故事情节。艺术风格及流派丰富多彩,有的豪放雄浑、悲壮激烈,有的情意缠绵、低吟浅唱,有的轻松活泼、且闹且喜。剧目类型各具特色,有正剧、悲剧、喜剧、悲喜剧,并且题材广泛,内容丰富,反映历史与现实生活。

    明清时期,戏曲高潮迭起,呈现了空前繁荣的景象,陆续形成一些新的大型剧种。传奇是这个时期的主要演出内容,一般以大团圆为结局。清代中期以后,杂剧被新兴的声腔剧种取代,特别是由于近代京剧的勃兴,标志着中国戏曲的发展进入了一个新的阶段。

    目前所知,全国地方剧种有360多种以上,主要有昆曲、京剧、秦腔、豫剧、黄梅戏、川剧、越剧、楚剧、评剧、粤剧、河北梆子、山西梆子、江汉花鼓戏等,其中以京剧最受青睐,被称为“国粹”。中国戏曲的特点在于它的表演形式无比的丰富多彩,善于把各门艺术(音乐、舞蹈、文学、雕塑、绘画)结合在一起并使之精致化。

中国戏曲程序化的表演方式在于其有着相当明确的严格规定。如角色分生、旦、净、丑四行。每行又可再分,生可再分为老生、小生、武生,小生又可分为中生、冠生、穷生。每一行都有其特有的性格、道德品行及唱腔、念白的规范。程序化的表演对脸谱、穿戴、唱法都有严格的规定。不同剧种有不同的脸谱勾法,如京剧的脸谱有整脸、碎脸、歪脸、象形脸、十字门脸、元宝脸等,并用不同的基调象征人物的性格与品行。红色表示忠烈正义,黑色表示鲁莽豪爽,白色表示阴险狡诈,紫色表示刚正稳练,金色表示神佛等。在穿戴上,京剧人物不管是哪个朝代的,演员只根据自己的角色定位准备自己特定的行头。

中国戏曲在漫长的历史发展过程中,出现过一大批杰出的剧作家和优秀的戏剧作品。如元杂剧的作家有110多人,作品500多种,现存的有160多种。其中最著名的作家是关汉卿、王实甫、马致远、白朴等,他们的主要作品有《窦娥冤》《赵氏孤儿》《西厢记》《汉宫秋》等。明代最著名的作家是汤显祖,他的作品有《牡丹亭》《还魂梦》《紫铁记》《南柯记》《邯郸记》等。汤显祖被誉为“中国16世纪的莎士比亚”,其代表作《牡丹亭》被认为是我国戏曲史上浪漫主义的杰作。清代有洪升、孔尚任等著名作家,他们的《长生殿》《桃花扇》都是家喻户晓的名本。

2.现代戏剧

中国现代戏剧包括话剧、新歌剧和传统剧种的革新戏。话剧诞生于辛亥革命前夕,在不断的发展中取得显著成就而成为现代戏剧的主要形式;新歌剧虽然在五四时期已经萌芽,但直到1942年以后在解放区才得到较大的发展;传统剧种的革新在话剧的文明戏阶段就开始了,但时断时续,收效不大,直到延安文艺整风以后,解放区才出现了对传统剧颇有成效的改革。

话剧一开始介绍进来时还是比较幼稚的。当时国人还不知道如何创作剧本,早期的剧目除引进西方国家的剧本外,多是根据中外故事改编的“幕表戏”。在辛亥革命的高潮中,曾演出一些深受欢迎的思想进步的作品。在辛亥革命夭折以后,它就无法同影响深远、有深厚群众基础的中国传统剧目相抗衡。袁世凯窃国后解散了一些宣传革命的剧团,剩下的剧团多为资本家和投机商所控制。他们为追求上座率而强迫所控制的剧团演出迎合小市民低级趣味的戏剧,加上部分演员或腐化堕落或委曲求全,文明戏逐渐走上内容庸俗、演出拙劣、带闹剧性的歧路,为广大观众所不满,因而衰落下来。衰落了的新剧,到五四运动时期才获得新生。首先,新文学的倡导者在《新青年》上撰文批判传统戏和堕落的文明戏,展开了戏剧问题的讨论,促进了戏剧观念的更新,确定了近代现实主义戏剧观念对中国新兴话剧发展的指导意义。1922年冬,蒲伯英自费创办的“人艺戏剧专门学校”,1925年北平艺术专门学校增设的戏剧系,对戏剧艺术教育也作过有益的贡献。

五四运动以后,职业剧团、爱美剧团、学校剧团纷纷出现,演出频繁,因而促进了剧本创作的繁荣。在话剧创作中,历史题材也受到作家们的重视。在历史剧创作中最有成就的是郭沫若。他在这一阶段写了三个历史剧,即:《卓文君》《王昭君》《聂荌》,后来他把这三个剧编在一起总称《三个叛逆的女性》。郭沫若的历史剧取材于历史,立足于现实,落笔于往古,归意于当今,开了历史剧紧密配合现实政治斗争的先河。

1929年8月,上海成立了“艺术剧社”。这是一个旨在推动革命戏剧运动、在中国共产党领导下的第一个戏剧团体。剧社于1930年进行了两次公演,由于当时政治环境险恶,一时又缺乏创作剧目,故演出的多是赋予了新意的外国戏。艺术剧社的创作实践,揭开了左翼戏剧运动的序幕。1930年3月,艺术剧社与摩登剧社联合辛酉剧社、南国社、上海戏剧协社、复旦剧社、大夏剧社等戏剧团体,发起成立了上海剧团联合会,首次形成了左翼戏剧力量的大联合。伴随着左翼戏剧运动的开展,戏剧创作也取得了新的成就。工人斗争、农民反抗、抗日救国成为当时戏剧创作的重要内容和特征。夏衍创作的《上海屋檐下》以浓郁的生活气息、独特的艺术构思描绘了上海下层市民生活的图景。曹禺是“剧联”之外的著名剧作家,他的《雷雨》和《日出》更使中国话剧开始改变单纯故事情节戏的状况、向着人物性格戏的方向发展,开始改变话剧短小与内容单薄的状况而向着深刻地反映复杂社会生活的多幕剧的方向发展,它标志着中国话剧在艺术上达到了成熟的新阶段。田汉的“热烈”、洪深的“执着”、夏衍的“朴实”、曹禺的“凝重”等,都说明了现代戏剧文学不同风格的形成。

1937年,抗日战争全面爆发,“国防戏剧”热潮进一步发展为大规模的抗战戏剧运动。从戏剧运动的普及和深入、戏剧队伍的发展与壮大、剧本创作的数量和质量这几个方面来看,其成就大大超过了五四以来任何一个时期。以话剧为代表的中国现代戏剧进入了一个空前普及和繁荣的黄金时代。1945年,贺敬之、丁毅写了新编歌剧《白毛女》,它把中国传统的戏曲、话剧与歌剧有机地结合起来,成为一个新剧种,在戏剧改革史上具有里程碑意义。

中国当代的戏剧文学,无论是话剧、歌剧,还是传统戏曲,虽都经历了曲折的历程,但都取得了巨大的成就。1956年第一届全国话剧观摩演出大会的召开,是社会主义时期第一个话剧创作高潮的重要标志。《红旗歌》《在新事物面前》《考验》《刘莲英》《春暖花开》《妇女代表》《万水千山》《冲破黎明前的黑暗》《战斗里成长》《明朗的天》《龙须沟》都是通过新旧社会的强烈对比,表现了新社会的优越,具有浓郁的生活气息和强烈的时代色彩。1956年5月党中央提出“百花齐放,百家争鸣”的正确方针,我国话剧园地也生长出一批新的花蕾。《洞箫横吹》《新局长到来之前》《同甘共苦》《布谷鸟又叫了》等作品,探讨了具体历史条件下的人性特色与情感纠葛,为话剧创作的现实主义深化开拓了新局面。在新中国成立十周年前后,反映现实生活的话剧虽然暂时处于低潮,历史剧却取得了令人瞩目的成就,剧作有田汉的《关汉卿》《文成公主》,郭沫若的《蔡文姬》《武则天》,老舍的《义和拳》,曾高等的《胆剑篇》和朱祖贻的《甲午海战》以及超克图纳仁的《金鹰》,乌·白辛的《赫哲人的婚礼》等。另一些熟悉革命斗争历史的剧作家,把笔触深入到革命历史剧的领域,如金山的《红色风暴》、顾宝湾的《东进序曲》、白刃的《兵临城下》、蓝光的《最后一幕》等。有些剧作家吸取了浮光掠影地描写现实的教训,也创作了少量的较好的现代戏。如杜宣的《无名英雄》、老舍的《茶馆》《女店员》、王炼的《枯木逢春》、胡可的《槐树庄》等。不过,这类剧作都或多或少地打上了当时“左”的烙印。

20世纪60年代初,党对文艺政策进行了调整,尤其是1962年在广州召开了话剧、歌剧、儿童剧创作座谈会后,话剧创作出现了新中国成立以后又一个丰收期,其中反映工业战线的剧作有《第二个春天》《激流勇进》,反映农业战线的剧作有《龙江颂》《丰收之后》《李双双》,反映部队和民兵生活的剧作有沈西蒙的《霓虹灯下的哨兵》《雷锋》《南海长城》,反映革命历史的剧作有《杜鹃山》《豹子湾战斗》《七月流火》《箭杆河边》等。

“文革”时期,“四人帮”把文艺领域作为他们篡党夺权的突破口,话剧园地因此受到极为严重的摧残,剧作家田汉、老舍、海默、孙维世等被迫害致死,夏衍、阳翰笙、于传、赵表等被长期关押,其他剧作家也都被剥夺了创作权,话剧团体几乎全部被解散或停止了演出活动,真可谓空前浩劫。为体现毛泽东“古为今用,洋为中用”“文艺为工农兵服务” 的文艺方针,1967年5月9日至6月15日,《智取威虎山》《海港》《红灯记》《沙家浜》《奇袭白虎团》《红色娘子军》《白毛女》及交响音乐《沙家浜》八个样板戏同时在北京上演,“文革”期间的文艺舞台是一种只现八花不见繁荣的文艺凋敝局面。

我国的戏曲源远流长,品种丰富多样,在发展过程中既与人民群众保持着广泛的联系,又深受专制主义统治思想的影响。从新中国建立到“文革”前夕,戏曲园地虽也遭到过一些挫折,但总的说来还是呈现剧种林立、剧目兴旺的景象。全国戏曲剧种经过大力挖掘、恢复和扶植,由解放初期的100多种扩大到300多种。不仅号称“国剧”的京剧大放光彩,而且行将绝迹的昆剧、徽剧、青阳腔等获得了新生,地方剧种中越剧、豫剧、评剧、黄梅戏等一跃成为大的剧种,此外还诞生了北京曲剧、吉林吉剧、贵州黔剧等新剧种,少数民族原有的藏剧、白剧、壮剧、傣剧和新生的彝剧、侗剧、蒙戏和满族的新城戏等都极大地丰富了中华民族的戏曲舞台。到20世纪60年代初,全国已收集和整理了五万多个剧目。

中西戏剧的主要区别在于西方戏剧追求写实,从剧情构架、戏剧语言到形体表演都注重生活化,认为戏是对自然的摹仿和再现;中国古代戏曲追求写意,从剧情构架、戏剧语言到形体表演都注重抽象性、典型化、套路化,想象丰富,认为戏是对生活的超越。这大致与西方艺术追求自然理性、强调形似,东方艺术强调感性、追求神似这样的思维方式有关。

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